Revista-E

Palma de Mallorca (Revista E) - Juan Uslé -Santander 1954-, como uno de los grandes referentes de la abstracción contemporánea, ha logrado que su obra se encuentre presente en las colecciones públicas más importantes de España, Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania, Bélgica, Irlanda, Austria, Portugal o Japón, así como entre los fondos de Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma donde celebra con Nudos y Rizomas la que es su primera exposición individual en las Illes Balears, una cuidada selección de las obras más complejas y enérgicas de cuantas ha realizado entre 1993 y 2009.

Según Fernando Francés, comisario de Nudos y Rizomas, en la pintura de Juan Uslé “cada signo, cada aparente e insignificante pincelada, cada rasgo, cada color…están cumpliendo una función determinada”. El comisario de la muestra, con la que Es Baluard inaugura el año 2010 y con la que celebra el sexto aniversario del museo, propone una mirada atenta a las 21 obras que constituyen la exposición: “el trabajo de Uslé requiere que la mirada del espectador traspase una impresión puramente estética, tan característica a su vez en la obra del artista, para intentar entender, entonando la mirada, cuál pudo ser la intención de un pintor que se divierte jugando con las partículas de un paisaje contaminado de sobras, movimientos, luces y reflejos.”

*Es Baluard, hasta el 2 de mayo de 2010

Madrid (Revista E) - El próximo domingo 31 de enero, The Westin Palace, Madrid celebrará una edición especial de su dominical Opera & Brunch con un repertorio musical completamente gastronómico.

Esta edición exclusiva del último domingo del mes de enero, incluirá actos que incorporan platos como: Sopa de peregrinos de la ópera “La forza del destino” de Verdi, Canelones Rossini de “ El Barbero de Sevilla” de Giocchino Rossini, que además de ser el autor de óperas tan importantes como “El Barbero de Sevilla” era un gran cocinero y gourmet e inventó los canelones que desde entonces adoptaron su nombre; Panna Montata de “ La Boheme” de Puccini, escena del II acto de esta inmortal ópera en la que los protagonistas toman un postre de nata montada en el Café Momus de París, una de las escenas más famosas de esta obra.



Muchas otras piezas alusivas a la gastronomía completarán un repertorio operístico de casi dos horas, al mismo tiempo que los asistentes disfrutarán de una sinfonía de sabores con más de medio centenar de referencias culinarias que componen el almuerzo-buffet que elabora cada domingo el equipo de cocina del hotel.

Madrid (Revista E) - En el firmamento del espectáculo de los locos años veinte sólo brilla una estrella: Bárbara Miltón. Reina indiscutible de los escenarios, hará lo que sea para evitar que su fulgor decline. Hasta que una noche, una figurante de su compañía deslumbra a la prensa. Es Bianca, una joven huérfana a la que Bárbara tratará de eliminar, para que no le haga sombra. Bianca salvará su vida por los pelos y terminará refugiándose en un tugurio de los bajos fondos. Allí, en el Boulevard, descubrirá y será descubierta por una peculiar y divertida banda formada por siete músicos.

Un original despliegue de música y personajes: gangsters, y policías; políticos corruptos y reporteros ambiciosos; divas en declive y jóvenes promesas emergentes de la canción; ritmos modernos que pasan del charleston al rock, del pop al swing, e incluso al dance y funky. Una historia de amistades, amor, desengaños…Un cuento clásico llevado al glamour de los años veinte con personajes de carne y hueso.

Una obra original de Javier Muñoz y Diego Yzola, creadores de “Antígona tiene un plan”, premio Max al mejor musical de 2007.

Desde el pasado 3 de diciembre y hasta el próximo 10 de enero en el Teatro de Madrid, estará en cartel este musical para toda la familia.

• Se presenta al público en las calles de Murcia el segundo programa del proyecto “Vídeo abierto”. Una iniciativa inédita en España.

Murcia (Revista E) - Seis dispositivos situados en distintas calles y plazas de la ciudad de Murcia vuelven a mostrar algunas de las producciones en vídeo actual más interesantes en su deseo de divulgar los  nuevos lenguajes y medios artísticos. De esta manera, el arte público encuentra un inédito formato de carácter interactivo, ya que el espectador decide cuándo quiere disfrutar de los videos. El programa, no se encuentra por entero en cada uno de los monitores, por lo que para disfrutarlo en su integridad, el usuario debe disfrutar igualmente de un paseo por la ciudad.

Finalizado el proyecto del comisario italiano Marco Pierini sobre culturas del vídeo clip, hoy se presenta un programa realizado especialmente para la ciudad de Murcia y que ha sido comisariado por una de las mayores especialistas en esta disciplina que viven en España, la brasileña y directora del departamento de obras de arte audiovisuales del Reina Sofía Berta Sichel. En este caso, algunos de los vídeos han sido producidos especialmente para el programa.

De nuevo video abierto se caracteriza por la internacionalidad de sus participantes. De hecho, en este caso, y como ha declarado la comisaria “Una de las piedras angulares de este programa híbrido de vídeo es el concepto de frontera: tanto desde una lectura literal como desde una mucho más figurativa. Los artistas participantes no dudan en ir más allá tanto de las limitaciones estéticas formales como de las fronteras geográficas y culturales. Los vídeos fueron rodados en diferentes países”. Por otra parte, este programa, “Tal y como están las cosas”, se introduce en uno de los debates más importantes que hay en el momento en esta disciplina nacida en los años 60, el debate contemporáneo sobre la legitimidad de la distinción entre el cine documental/experimental y el de ficción, lo que ha cautivado a la teoría del cine a lo largo de su historia, y con mucha más intensidad dentro de la postmodernidad.

1 de noviembre de 2009 a febrero de 2010

Comisaria Berta Sichel

Localización: distintos dispositivos de vídeo de la ciudad de Murcia

Organiza: Comunidad Autónoma de la Región de Murcia. Consejería de Cultura y Turismo y Espacio AV

• Tiempos Modernos presenta Frontera de áfrica, un conjunto de fotografías realizadas por Bartolomé Ros entre los años 20 y 30 y en las que plasma la vida cotidiana de Ceuta.

Madrid (Revista E) - Tiempos Modernos, presenta por primera vez en su galería de arte, fotografías históricas realizadas en los años 20 y 30. La exposición, que se inaugura el próximo 23 de septiembre, estará abierta hasta primeros de noviembre.

Bartolomé Ros es una de las grandes sorpresas de la fotografía histórica española. Su exposición, realizada dentro de PHotoEspaña el pasado mes de junio, supuso una auténtica revelación, tanto para los expertos nacionales como para los numerosos profesionales internacionales que tuvieron la ocasión de verla en la sala de exposiciones de Conde Duque de Madrid.

Ahora Tiempos Modernos presenta, por primera vez en una galería la obra de Bartolomé Ros. Nacido en Cartagena en 1906, desarrolla su trabajo profesional en Ceuta, desde los catorce años, con una precocidad asombrosa. “Su crónica de ese periodo –ha escrito Alejandro Castellote- ha dejado algunos instantes excepcionales para la historia, pero sobre todo incluye los escenarios donde transcurre la vida diaria de soldados anónimos, plasmados con la exquisita pulcritud formal y la responsabilidad documental que caracterizó a los fotógrafos europeos de esa época”.

El trabajo de Bartolomé Ros –que desarrolla en su totalidad antes de cumplir los treinta años, cuando abandona la fotografía para desarrollar una gran carrera empresarial- se centra en la documentación de la vida cotidiana, los retratos de sociedad, los paisajes o escenas de estilo orientalista del Marruecos de la época.

Su documentación de la vida en los cuarteles –hay que tener en cuenta que Ceuta era una plaza eminentemente militar- descubren a un observador muy delicado, que narra –con la frialdad de un cirujano- la atmósfera y la vida diaria de las tropas, con la misma estética que veremos treinta años más tarde, las primeras fotografías industriales de las fábricas en Norteamérica. “En el interior de los cuarteles –narra el comisario de su gran exposición, Alejandro Castellote- la vida parece detenida en una atmósfera de pulcritud y ausencia de premura. Los soldados aparecen realizando sus actividades diarias en unas instalaciones de vocación autárquica, pues producían casi la totalidad de los alimentos que consumían. Disponían de enfermerías, gabinetes bacteriológicos, bibliotecas, salas de lectura, aulas de alfabetización para los adultos, escuelas para párvulos, armerías, talleres, almacenes, cocinas, comedores para la tropa, salas de recepción para visitas ilustres, caballerizas, granjas de animales y todo tipo de estancias que fueron sistemáticamente documentadas con la solvencia de un profesional que, con apenas veinte años, contaba ya con una extensa experiencia”.

La exposición de Tiempos Modernos, rescata estas imágenes de la historia que, en nuestro tiempo, toman un enorme valor no solo documental, sino también artístico.

Desde el 4 de julio de 2009 y hasta enero de 2010, el Museo Universitario Arte Contemporáneo presenta dentro de su ciclo de exposiciones temporales UNO + ∞, la muestra antológica de uno de los artistas latinoamericanos más visibles en la escena del arte contemporáneo internacional: Cildo Meireles.

La exposición homónima, organizada por la Tate Modern de Londres en asociación con el MuAC, plantea, sin ánimo retrospectivo, un recorrido por la obra del artista a través de sus grandes instalaciones, dibujos y objetos realizados entre 1967 y 2008. 

Cildo Meireles (Río de Janeiro, 1948) es autor de una obra de extraordinaria complejidad, que hunde sus raíces en la confluencia de la política, la filosofía y la simbología de nuestro tiempo. La reciente concesión del Premio Velázquez de Artes Plásticas a Meireles (2008) confirma la fascinación e interés que suscita el trabajo de este artista brasileño fuera de las fronteras de su país, el cual se caracteriza por la búsqueda de nuevos significados a través de la confrontación, de la exploración de los límites en los ámbitos de la estética, la percepción, la ciencia y la economía. 

Ulf Rollof / Foto: Barry Domínguez

Su quehacer artístico conjunta obras que, en su búsqueda incesante, reflexionan sobre su propio lugar en el arte y pretenden ser huella, vestigio, residuo de una actividad, la del artista consciente de que la memoria es la única posibilidad de permanencia  que le resta a una obra.

Vanguardia artística

La figura de Cildo Meireles es fundamental para entender la vanguardia artística brasileña de posguerra ya que supone un puente entre el neoconcretismo de finales de los años cincuenta y el arte conceptual brasileño de finales de los sesenta. El neoconcretismo, cuyos principales representantes -Franz Weissmann, Lygia Clark y Lygia Pape- son referencias constantes en la obra de Meireles, rechaza el racionalismo extremo de la abstracción geométrica para crear obras más sensoriales y participativas, que apelan no sólo a la mente sino también al cuerpo. El optimismo utópico de este movimiento se vino abajo tras el golpe de Estado de 1964, que abrió paso a un régimen militar dictatorial, y que marcó a una nueva generación de artistas, la de Cildo Meireles, cuya obra tiene un mayor compromiso político, reflejo del contexto histórico. 

Su obra podría definirse como un acercamiento poético al estudio de la sociedad, ya que busca responder a preguntas relacionadas con todos los ámbitos sociales: examina los procesos de comunicación, la figura del espectador y el valor del arte o los legados de la historia. La temática de su obra incluye desde la expansión del capitalismo en el ámbito internacional hasta la cultura de los indios brasileños en el Amazonas, y no responde a ninguna jerarquía de materiales o tamaños. Sus obras suelen partir de un elemento concreto que se desarrolla de tal manera que lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar el equilibrio. 

Los primeros trabajos de Meireles se plasmaron en forma de dibujos. Así, en sus series Espaços virtuais: Cantos (Espacios virtuales: Rincones, 1968), Volumes virtuais (Volúmenes virtuales, 1968-1969) y Ocupações (Ocupaciones, 1968-1969), Meireles investiga las posibilidades del espacio geométrico euclidiano, utilizando tres planos para definir una figura en el espacio. Se trata de un concepto abstracto que intentará concretar en la serie de esculturas Cantos (Rincones, 1967-1968), que funciona bajo el mismo principio y en las que, a través de modelos a escala natural, reconstruye rincones domésticos típicos. 

Mutações geográficas (Mutaciones geográficas, 1969) es una serie de obras que analiza el inmenso territorio de Brasil y la naturaleza de las fronteras geográficas. Al mismo tiempo hace referencia a la infancia de Cildo Meireles y a los constantes desplazamientos de su familia por el vasto territorio brasileño a raíz del trabajo de su padre en el Servicio de Protección a los Indios. La serie Arte física (Arte físico, 1969) se basa en collages que plantean propuestas para posibles acciones relacionadas con el espacio geográfico y topológico y que en muchos casos nunca llegaron a realizarse. 

A finales de la década de los sesenta Meireles comienza a trabajar en el concepto de Condensados, pequeños objetos que demuestran cómo el poder simbólico de una obra de arte no tiene que ver con su tamaño. Un ejemplo paradigmático de estos es Cruzeiro do Sul (Cruz del Sur, 1969-1970), en la que un cubo diminuto de madera de roble y pino, maderas sagradas para los indios, se convierte en un emblema de la condición moderna. Es una obra que, a pesar de sus reducidas dimensiones, sienta las bases de muchos de los temas que Meireles desarrollará a lo largo de toda su carrera, ya que supone un primer acercamiento a la dimensión espacial desde el punto de vista de la escala; al mismo tiempo es una crítica de la concepción eurocéntrica de la historia y una reflexión sobre la necesidad de los mitos; planteando un diálogo entre Occidente y las tradiciones de los pueblos nativos, a su vez crítico e irresuelto. 

En Árvore do dinheiro (Árbol del dinero, 1969) Meireles analiza la paradoja del valor simbólico frente al valor real de las cosas: un fajo de cien billetes de un cruceiro, que presenta como una obra de arte sobre un pedestal, se puso a la venta a un precio veinte veces superior a esa cantidad. De este modo cuestiona las diferencias entre valor real, simbólico y de intercambio. Para profundizar en ese análisis del valor, de 1974 a 1978 se aventuró en el terreno de la falsificación artística y produjo, a modo de parodia, Zero cruzeiro (Cero cruceiros) y Zero centavo (Cero centavos), reduciendo el valor del dinero a cero. También sustituyó los personajes ilustres que suelen adornar los billetes por dos personas, en principio, al margen de la sociedad brasileña: un interno de un psiquiátrico que había visitado en Trinidad y un indio Kraô. En Zero dollar (Cero dólares, 1978-1984) y Zero cent (Cero centavos, 1978-1984), profundiza en el significado de lo monetario, entendiendo la divisa como representación icónica de un país. En estas obras el dinero se convierte en paradigma de la relación entre materia y símbolo, puesto que puede ser ambas cosas a la vez. 

El endurecimiento de la dictadura militar a principios de la década de los setenta tendrá como resultado una mayor radicalización del contenido político en la obra de Meireles. Este momento está marcado por las Inserções em circuitos ideológicos (Inserciones en circuitos ideológicos, 1970), que se relacionan con la idea del intercambio y se basan en la investigación de los mecanismos sociales que articulan la circulación de bienes de consumo y de información. Así, su obra más conocida de esta serie es el Projeto Coca-Cola (Proyecto Coca-Cola), en el que Meireles imprimió sobre botellas de este refresco mensajes como «Yankees Go Home», y después puso las botellas nuevamente en circulación. 

Las Malhas da liberdade (Mallas de libertad, 1976-1977) empezaron como un garabato: Meireles dibujó una línea y luego otra que la cruzaba hasta formar una retícula. Si no hay limitaciones formales, la retícula puede crecer indefinidamente hasta crear un sistema de bifurcaciones, divisiones y duplicaciones cada vez más desordenado, según el principio definido por el matemático Mitchell Feigenbaum en sus estudios sobre la teoría del caos. Mediante una malla metálica, material asociado con mecanismos restrictivos, Malhas da liberdade transforma ese sistema desordenado en una posibilidad de librarse de la coacción y represión de la vida bajo la dictadura militar. 

Cildo Meireles ha manifestado en varias ocasiones que el espacio posee connotaciones «físicas, geométricas, históricas, psicológicas, topológicas y antropológicas» y que éstas constituyen el núcleo básico de su obra. Esto se refleja en una de sus obras más emblemáticas, Eureka/Blindhotland (1970-1975), en la que analiza la relación entre el conocimiento y la percepción, la construcción mental y la experiencia sensorial. En esta escultura se combinan varios elementos (una banda sonora, inserciones en prensa y esferas del mismo tamaño con diferentes pesos). La sorpresa es que peso y volumen no se corresponden; es una invitación al juego y a la participación del espectador. 

El exceso y la acumulación está presente en Através (A través, 1983-1989/2007) un laberinto de rejas, mallas, en el que el suelo está formado por cristales rotos y donde se invita al público a enfrentarse a sus miedos, las creencias heredadas o impuestas. En el laberinto de Meireles, el acceso se permite y deniega a la vez: la mirada puede penetrar lo que el cuerpo no puede franquear. 

Como antítesis al exceso encontramos la reducción extrema, una de cuyas formas más intensas es la monocromía, utilizada a principios del siglo xx como elemento de búsqueda del «arte puro» y que Meireles carga de simbolismo y connotaciones no-artísticas. Así, acumulación y reducción extrema caracterizan Desvio para o vermelho (Desvío al rojo, 1967-1984), una instalación en tres partes en la que el color rojo actúa como elemento vertebrador y hace que nuestra percepción del mundo se transforme y pierda su lógica visual. 

El sonido es otro de los elementos que Cildo Meireles utiliza para crear espacios. En Babel (2001), una enorme torre de aparatos de radio, emparentada con la historia bíblica de la torre de Babel, plantea la incapacidad para comunicarse como causa de todos los conflictos de la humanidad. Debido a la naturaleza esencialmente temporal de un medio como la radio, en esta obra nunca hay dos experiencias iguales. 

Cildo Meireles está organizada por la Tate Modern de Londres en asociación con el MuAC, bajo la curaduría de Vicente Todoli, director de Tate Modern, Guy Brett, curador asesor y Amy Dickson, asistente de curaduría de la Tate Modern. Luego de su exhibición en el MACBA, de Barcelona, se exhibirá en el MuAC a partir del 4 de julio de este año y hasta enero de 2010, siendo la única sede en el continente americano.